Wieland Rat


Intervening the Frame. Un homenaje al legado cinematográfico de Joyce Wieland
Curado por Guillermina Buzio

Viernes 2.11.12 20hs. | Alianza Francesa de Buenos Aires

Duración total: 59’

Joyce Wieland (1931-1998) es una figura clave en la historia del arte contemporáneo canadiense e internacional. Fue pionera en forma y contenido, sus obras definieron nuevos caminos de ver y hablar sobre lo político, lo ambiental, el mundo del arte, el feminismo y la identidad canadiense, en un determinado momento histórico. En Intervening the frame he curado diez cortometrajes en dos programas que ejemplifican las preocupaciones intelectuales de Wieland, focalizando sobre su mirada estética.

Si bien los films de Wieland abarcan una amplia variedad de temas y técnicas, todos revelan el ojo de una pintora. Sus films son pictóricos, altamente consientes de sí mismos, de la materialidad y posibilidades del medio.

El ritmo de Wieland es característico de alguien que mira los detalles y permite un espacio para una revelación lenta. Su composición, si bien rústica e intuitiva, revela una profunda sensibilidad a la luz y la línea.

Lo que es excepcional de Wieland es cómo mantiene su sensibilidad por el dibujo mientras se concentra en la experiencia política y femenina. Incorpora lo personal a sus películas y revela su presencia y ausencia como mujer y cineasta, física y conceptualmente. En estos programas, hago hincapié en tres características que exhibe su estilo pictórico y sensibilidad política: el ritmo de la naturaleza muerta en el film, el uso que hace del retrato y la ironía.

Sailboat, 1933 y Cat food son cortometrajes que nos dejan observar la imagen en su más amplio detalle: transformándose en naturaleza muerta cinematográfica.

El ritmo de los encuadres le otorga al espectador un tiempo extenso para hacer foco en lo pictórico, las líneas, los colores y la composición general, más que en la cronología de la acción. Los trabajos son así formalistas. Esto también se ve en el uso del texto en Sailboat y 1933, donde pierde su significado lingüístico para transformarse en imagen. La cualidad íntima de la naturaleza muerta es preservada en estas películas y subrayada en Water Sark.

Water Sark transcurre en la propia mesa de la cocina y el baño de Wieland. Ella usa objetos cotidianos tales como un vaso de agua, una rosa, una lámpara, un plato y acciones como lavar su cabello, para darse a ver a sí misma, atrayendo al espectador a su espacio y cerca de su cuerpo.

De la naturaleza muerta deriva la abstracción. Wieland lo logra creando efectos visuales en cámara y dando a ver su proceso fílmico. Deconstruye la escena y problematiza nuestra relación con ella mientras la observa. En una forma brechtiana, Wieland hace visible el proceso de filmar y muestra su propia imagen fragmentada.

Water Sark es un autorretrato compuesto de capas visuales y conceptuales.

El retrato es una clave en las películas de Wieland. Retrata gente, animales y a la sociedad a través de su lente. A&B in Notario es un retrato donde Joyce Wieland y Hollis Frampton tienen una conversación visual con sus cámaras. Ambos son cineastas, personajes y espectadores al mismo tiempo.

El tratamiento del ritmo, el encuadre, la acción, el montaje y el sonido, crean una composición en capas donde los roles son activos e intercambiables, dejando espacio a la audiencia para determinar su propia relación con la película. Además, el proceso del film es, junto a Water Sark, de especial importancia: podemos escuchar el sonido de la cámara y también el sonido de la cámara recargándose.

En Handtinting la falta de diálogo nos conduce a observar las expresiones faciales de la mujer que revelan su aburrimiento y felicidad en relación específica con la situación.

En Rat Life and Diet in North America y Cat Food, Wieland retrata animales como personajes centrales a través del uso del primer plano, al mismo tiempo que enfatiza en cuestiones ambientales.

La cineasta abre ventanas para la observación, a través de las cuales retrata la sociedad. En Solidarity, un documental sobre una protesta en contra de los bajos salarios en una planta alimenticia de Kitchener, Wieland se concentra en los pies de los manifestantes. Focalizando en los zapatos de la gente mientras camina, Wieland nos da acceso directo a su clase social y las circunstancias que la rodean, al proponer una mirada política sin ser didáctica.

Patriotism y Patriotism Part II son retratos irónicos de la cultura americana, hechos a partir de una cuidada composición en un ambiente íntimo. En ambos cortometrajes Wieland juega de manera irónica con objetos de la cultura americana como la bandera, la Estatua de la Libertad y el pancho (hot dog), subvirtiendo su significado e influencia. A través de estos símbolos, usados de forma juguetona e irónica, refleja las relaciones de poder y dominación. Es también el caso de Rat and Life in North America, donde el relato revela las preocupaciones de Wieland sobre el control económico y la influencia política de Estados Unidos sobre Canadá.

Es importante notar que, mientras estos films son políticos, mantienen el sentido de la exposición personal, tal como lo muestra el texto final de Patriotism Part II, donde la cineasta da a conocer sus sentimientos hacia el actor.

Joyce Wieland crea una belleza compositiva usando la intimidad y los dibujos como punto de partida.

En sus películas ella trabaja con el medio en sí mismo, con la naturaleza efímera de la imagen, mientras invita al espectador a participar de manera activa.

Su particular forma de mirar y retratar está dotada con una gran libertad para comunicar sus ideas de una forma compleja y nítida a la vez. Su forma personal y su estilo se transforman en una idea política, en el sentido en el que ella enfatiza su relación con el film y da forma a su estética y sensibilidad política, insistiendo en demostrar su estatus igualitario de mujer en el mundo del arte de la época.

Las proyecciones serán presentadas en fílmico gracias a la colaboración del Canadian Filmmakers Distribution Centre (CFMDC).

Patriotism 2 (Patriotismo 2)
Canadá, 1965
3:45’ / color / muda

En cierta forma, un retrato de Dave Shackman con la bandera americana. El final es una animación cuadro a cuadro de una mesa de trabajo con comida moviéndose y dando vueltas que finalmente se une en una bola. Mirando el film retrospectivamente, la secuencia de animación parece presagiar la temprana muerte de Dave Shackman. Murió poco después de terminar este film.

Rat Life and Diet in North America (Vida y Dieta de Rata en Norte America)
Canadá, 1968
16’ / color / sonido
Exhibición en 16mm

“Puedo decirte que el film de Wieland se sostiene. Puede ser una de las mejores (o de las más ricas) películas políticas. Es completamente acerca de rebeldes (representados por ratas) y la policía (representada por gatos reales). Luego de largo sufrimiento debido a los gatos, las ratas se fugan de la cárcel y se escapan a Canadá. Allí comienzan a hacer jardinería orgánica, sin DDT en el pasto. Es una parábola, una sátira, un película de aventura, o se la puede llamar pop art o cualquier tipo de arte que uno quiera. Yo la considero como una de las películas más originales de tiempos recientes.” Jonas Mekas.

“El film es ingenioso, expresivo, y un grito lejano del humanismo de animales tiernos con el que el cine nos ha llevado hasta el punto del hartazgo en el pasado. De todas formas, es una extensión vital del aspecto de sus films que va en contra del principio de estructura: simbolismo irónico.” P. Adams Sitney, Film Culture.

“Rat Life and Diet in North America prueba que ella ha estado contemplando la vida de los animales largamente y de forma afectiva, y es una suerte de Evelyn Nesbit caprichosa; nunca cursi y creadora con una femineidad intensa.” – Manny Farber, Art Forum.

A&B in Ontario (A&B en Ontario)
Joyce Wieland & Hollis Frampton
Canadá, 1984
16:50’ / b&n / sonido
Exhibición en 16mm

“Hollis y yo regresamos a Toronto de vacaciones en el verano del 67. Nos estábamos alojando en la casa de un amigo. Atravesamos toda la ciudad y eventualmente llegamos a la isla. Nos seguimos mutuamente. Disfrutamos mucho el uno del otro. Dijimos que haríamos una película acerca de nosotros, y lo hicimos.” Joyce Wieland

A & B in Ontario fue terminada ocho años después de haber sido rodada. Luego de la muerte de Frampton, el film fue ensamblado en forma de diálogo cinemático por Wieland en el que los colaboradores (con el espíritu de los sesentas) se filmaron mutuamente con cámaras.

Sailboat (Bote a vela)
Canadá, 1967
2:45’ / color / sonido
Exhibición en 16mm

“Sailboat tiene la simplicidad del dibujo de un niño. Una imagen prácticamente de juguete de un bote a vela navega sin interrupción sobre el agua, al sonido de olas rugientes, que parece subrayar la imagen al punto de la exageración, similar a la forma en que un niño podría dibujar agua, escribiendo los sonidos en palabras por encima para hacerlo lo más enfático posible. La pequeña imagen es interrumpida en un momento por un enorme hombro que aparece brevemente en el lado izquierdo.” Robert Cowan, Take One

“Este pequeño film de un bote a vela navegará a través de tus compuertas y hacia tu corazón.” Joyce Wieland

“Un día en la Playa, en el Mar, hacia el Cielo y hacia los Botes a vela.” Michael Snow

Handtinting (Coloreado a mano)
CLIP – 1MIN.
Canadá, 1967
6’ / color / muda
Exhibición en 16mm

“Handtinting es el adecuado título de un film hecho de tomas sobrantes del documental de Job Corps que incluye secciones coloreadas a mano. El film está lleno de pequeños movimientos y acciones, gestos comenzados y nunca completados. Imágenes repetidas, a veces en color, a veces no. Un film hermosamente realizado a la forma de música de cámara, cuya sensación total es ritualística.” Robert Cowan, Take One

Water Sark
Canadá, 1965
13:30’ / color / sonido
Exhibición en 16mm

Decidí hacer un film en la mesada de mi cocina, no hay nada como conocer mi mesada. El elevado arte de la ama de casa. Tomás prismas, vidrios, luces y yo misma a ello. “La Ama de Casa está Drogada.” Water Sark es un film escultura, que se hace mientras uno espera. Joyce Wieland